從《黑神話：悟空》配樂看ACG音樂文化

《黑神話：悟空》絕對是近期的網絡熱話，不但吸引華語地區的遊戲直播主，連世界各地的直播主都在玩這款大作。遊戲推出短短三天，已賣出超過一千萬套，成為有史以來銷量最快的遊戲，開發商「遊戲科學」寫下中國遊戲史的神話。

《黑神話》毫無疑問已經成為「現象級」遊戲，其影響力更超越遊戲本身，台灣網民為此翻看張衛健2002年主演的《齊天大聖孫悟空》（並非1996年無綫版的《西遊記》）、外國網民好奇《西遊記》故事，紛紛在網上「惡補」，一些歐美介紹《西遊記》的影片瀏覽量有明顯的增長。中國以至香港都有旅行社推出《黑神話》相關的行程，參觀遊戲取景的山西寺院。

為何一款遊戲能有如斯巨大的影響力？作為中國製的第一款3A大作（指投入巨額研發與行銷預算的遊戲），其題材非常吸引——儘管日本不乏以中國名著為題材的遊戲，例如《幻想水滸傳》、《三國志系列》、《真・三國無雙系列》等，但以《西遊記》為題卻的寥寥可數。對於熟悉故事的華人玩家來說，感覺既新鮮又親近：看到可召喚出「猴子猴孫」圍毆敵人時忍不住會心微笑；乘上筋斗雲遨翔天際，體感「爽爆」；最後取回最具代表性的武器「如意金箍棒」時，心中真的會暗叫一句「型到跌渣」。

特色音樂成文化輸出 

當然賣情懷絕不足夠解釋《黑神話》對外國人的吸引力，遊戲製作亦相當重要。《黑神話》製作非常精美，對細節一絲不苟，例如上述提到在山西取景，就是製作團隊親自到懸空寺、小西天等地實地掃描設計，成品還原度極高，連牆上的經文也能看見，單是畫面已經美不勝收。音樂也是重要一環，討論度很高，國內外有很多YouTuber翻唱／奏當中的配樂，也有不少人製作分析影片，解構音樂創作的心思，例如主題曲〈雲宮迅音〉本身就是一個彩蛋，它改編自1986年許鏡清為中國電視劇《西遊記》創作的片頭曲，原作採用很多合成電子聲音，當時的確是新穎大膽，但現在聽難免覺得時代久遠，因此《黑神話》改編版本加強了管弦樂部分，使音樂更加澎湃和厚實，表達出踏上偉大征途的氣勢，同時保留一些中國樂器如琵琶，最重要是保留原曲很有代表性的三下電子音（該音效令筆者想到1979年《機動戰士高達》的主題曲〈飛翔吧！高達〉），成為神來之筆。

《黑神話》音樂中的中國元素特別使外國人印象深刻，例如〈往生咒〉用rap的方式把佛經演唱出來，其實在〈往生咒〉前已經有音樂人把佛經與電子音樂結合，譬如將在十月來港演出的日本音樂僧侶藥師寺寬邦，以及韓國「DJ和尚」日進大師，但〈往生咒〉是用了「呼麥」——一種常見於蒙古的泛音唱法，不但能把聲線壓得低沉，還可同時發出較高音的泛音，極具特色。

不過數最有特色、最有討論度的肯定是遊戲中無頭和尚演唱的〈黃風起兮〉，由熊竹英以陝北說書的方式誦唱。陝北說書初時是盲人演唱，內容多是民間傳說、神話故事，表演形式可以是一人演出，或是二人以上的小組形式，在2006年列入第一批國家級非物質文化遺產名錄。從網上影片看到，熊竹英錄唱時左腳綁上甩板，穩定地踏腳，使甩板拍出穩定的拍子，伴和三弦和演唱，熊竹英的陝北腔抑揚頓挫，激昂而富節奏感，讓人大開眼界。

ACG音樂的文化底蘊

《黑神話》作為一款全球大熱的遊戲，不止帶來利潤，還把中國文化帶給全世界，成為一種強而有力的文化輸出。這反映ACG（即Anime、Comics和Games）這種次文化在網絡世代中，影響力日益增加，以往這些作品只是針對特定族群，但透過網絡，族群內部能相互分享、交流，讓族群壯大起來，並輻射到族群外：以前打機不過是一個人的事，但現在一個當紅直播主打機，能夠有數千人一同觀看，影響力不可同日而語。

隨著ACG的關注度越來越廣泛，製作亦越來越講究，連帶音樂的製作亦毫不馬虎，例如上文提過的〈飛翔吧！高達〉，歌詞不停重複「燃燒」「飛翔」「高達」，在今時今日實在難以想像。事實上，當今ACG作品的音樂的精細程度，即使是一段看似不太重要的配樂，背後可以有很深的文化底蘊，以近期一套大熱動畫《葬送的芙莉蓮》為例，為配合動畫的中世紀冒險故事背景，配樂家Evan Call採用很多文藝復興乃至中世紀的樂器。譬如動畫中常出現「勇者欣梅爾死後XX年」的畫面，所配的音樂〈Time Flows Ever Onward〉便用上魯特琴，它是一種流行於中世紀到巴洛克時代的樂器，經常在油畫中看到，音箱的形狀彷如半個切開了的梨子，弦鈕箱向後彎成直角，如像結他般彈奏。

在〈For 1000 Years〉和〈The End of One Journey〉兩首音樂中，Evan Call分別使用了雷貝克琴和中世紀提琴，前者從伊斯蘭國家傳入歐洲，同樣是梨形但體積較小，被認為是早期盛行的弓弦樂器。它的聲質沙啞，適合表達滄桑的感覺；後者是一個總體的稱號，沒有統一的製作標準，但形態更接近大家熟悉的小提琴，聲音柔和。此外，Evan Call也曾為配樂親自演奏Talharpa和Irish Bouzouki等不常見的樂器。

ACG的逆襲

隨著ACG的音樂創作和製作越來越精良，加上影響力與日俱增，除了一些專演奏ACG音樂的同人樂團或表演者，以往看似是「河水不犯井水」的古典音樂家，也開始跨界演奏這類音樂，好像早前被拒攜帶小提琴上飛機的法國小提琴家Esther Abrami，她最新專輯《Cinéma》便收錄了《火影》的〈Alone theme〉和《鬼滅之刃》的〈炭治郎之歌〉。另一位網紅級小提琴家陳銳將推出的專輯《Player 1》亦收錄《火影》的〈Sadness & Sorrow〉、Game Boy遊戲《寵物小精靈（紅）》的〈純白鎮〉、《薩爾達傳說：王國之淚》的主題音樂等，甚至連柴可夫斯基國際音樂比賽冠軍Daniil Trifonov早前也推出《上古卷軸V：無界天際》中的音樂〈Secunda〉。這個趨勢在以前根本是不可能——你能想像到像Ashkenazy、Sokolov、Pletnev等前任冠軍會彈日本動畫歌曲嗎？

作為次文化的ACG音樂，得到屬於高雅藝術的古典音樂家認同，無疑是一種「文化逆襲」。然而這情況並非毫無先例，探戈和爵士音樂亦曾被視為屬於較低層的草根文化，但經過歲月的洗禮和眾多音樂家如皮亞佐拉、艾靈頓公爵的努力，探戈和爵士的層次得以提升，現時已成為阿根廷和美國最具代表性的音樂文化——也許假以時日，ACG音樂的文化底蘊同樣會被更多人發掘和重視。